ACERCA DE LA PINTURA DE  GUIDOTTI... Amor, misterio y vida marcan el ritmo y la búsqueda pictórica de Mauro Guidotti, definen su simbolismo, sus alusiones, sus opciones de color. Todas sus pinturas presentan al ojo del espectador los grandes ojos de sus figuras: ojos que miran otros ojos, en la maravilla del descubrimiento y en la pregunta de sentido sobre el valor de cada relación: con los demás como próximo, con el Eterno Femenino, con la naturaleza, con sigo mismos, con el Misterio.      Guidotti hace opciones radicales que van a la raíz de la vida, más allá de lo que con el tiempo se va sedimentado, de hecho un oropel, a pesar de la ilusión que tiene el hombre de encontrarse con lo esencial. Pero lo esencial  está más-allá y Guidotti alude a ello con claridad y fueza expresiva:    se trata de direcciones maestras, perspectivas fundamentales , elecciones de vida. El resto parece ser aquel efímero confundido por necesario y que, en cambio, distrae al  hombre de su verdadero rumbo a lo que está llamado y a lo cual está destinado. Y yendo a la raíz Guidotti recupera la maravilla del descubrimiento, del questionarse inquieto, del mirar  y  desgranar los muchos ojos de sus imágenes.   Su lenguaje es una síntesis original entre los murales populares que ha conocido, apreciado y asimilados en su experiencia de vida en Colombia, experiencia tan determinante para acompañarlo al feliz matrimonio con una mujer colombiana (un claro signo de una síntesis armoniosa con esa cultura) y el conocimiento de los logros académicos del arte occidental, recuperada y muy presente en sus pinturas. Una síntesis  muy original decia, con el efecto inmediato de la pintura popular y la intriga simbólica de la refinada complicación de nuestra historia del arte, en particular cubista y surrealista. En otro lugar he definido el arte de Guidotti, en línea con la poética de García Márquez, colombiano por excelencia, un arte inspirado en una especie de realismo mágico que se vuelve, tambien, magia realista.      Debe, sin embargo añadirse, que el concepto de "magia" no tiene nada que ver con el mundo del oculto y la superstición, sino con el encanto infantil, con la irrealidad concebida como realidad virtual, con el deseo como motor del real.      Es por ello que sus pinturas son atravesadas ​​por círculos, curvas, esferas, líneas cerradas en definitiva, acojedoras, reconfortantes, 'maternales', envolvedoras, omnicomprensivas. Es una materia fluida, vibrante, que corre sobre líneas que retornan y se reproponen en cuanto  cumplidas, llenas de significado e identidad.   Desde el  punto de vista cromático, en la producción de Guidotti, a veces aparecen pinturas de dos tonos, blanco y negro, como algunas fotografías de gran sugestón realista; más a menudo domina sobre todo el celeste (con variaciones de color azul), alusión al cielo, a la " celestial dote de los humanos" memoria de Foscolo, dónde exactamente ese color indica aquel allá que es imagen del Altisimo, del Misterio, confirmado por otro color que marca constantemente la pintura de Guidotti: el amarillo. El amarillo de las estrellas, de los esfumados, de la luna, del algun fondo de sus cuadros. Más raro es el verde, bien presente en su pintura ... cuando la vida ... que he querido  escojer para dar el nombre a mis reflexiones sobre el trabajo de Guidotti. El verde es la tierra, la vida, el hic et nunc de nuestra vida cotidiana. Celeste y amarillo son el mundo de la relación, de la alteridad, de la Trascendencia. La vida está en itinere, es realmente una transición, así como aparece en el título: los puntos suspensivos antes y despues, indican que el origen de la vida y su vocación esencial tienen  una fundación que la trasciende.      Una esperanza singular recorre la obra de Guidotti: no es una esperanza inmediata, de fácil entendimiento y manifestación. Es una esperanza vivida, interiorizada, difícil de lograr, pero, por esta razón, sólida, fuerte, orgullosa, clara y solidaria.      Una visión de las pinturas de Guidotti conduce a un sentimiento de pertenencia a la historia, tanto como tradición que como originalidad avanzada, sea como mundo exótico y fantástico que como nuestra realidad presente y cotidiana. Una virtud que hace que estas pinturas sean  'bellas' en el sentido pleno de la palabra, capaces de acompañar a cada uno en su camino terreno.                                              (Roberto Rossi)

REAL Y VIRTUAL.  ENTRE FINAL  E INFINITO. ¿Por qué el hombre se siente más atraído por lo posible que satisfecho por lo real? ¿Por qué, cada vez, lo virtual solo nos empuja más y nos empuja a superar lo que hay y lo que tenemos? No habría ningún cambio, mejora, la evolución si el virtual no tenían este papel decisivo: la realidad de que debemos ser suficiente, pero ... cada vez que lo que se nos presenta se considera inadecuado y menos válida porque, aunque todavía hay que tengan un ' la identidad, de hecho, solo virtual, nos lleva a la investigación, a un propósito que todavía no sabemos cómo es, pero que, pensamos, esperamos, de hecho estamos seguros, ¡será mejor! ¿Por qué sucede todo esto? ¡Simplemente porque lo virtual es infinito! Y las infinitas posibilidades tienen reservada, seguramente, una mejor respuesta que la que, finita, limitada, circunscrita, ¡la realidad es imponente! Real y virtual, a continuación, dar lugar a nueva apariencia de la reunión / choque entre finito e infinito: el resultado es un hombre "desequilibrada" porque vive la escasez de la realidad el anhelo de la riqueza virtual, como en el mito platónico de ἔρως en tensión eterna de investigación. Ya no existe la tensión que, por ejemplo, marcó a los artistas románticos: ahora el infinito parece realizarse por la técnica, por sus potencialidades todavía inexploradas. Pero es lo que proviene de ello lo que necesita ser examinado en profundidad. ¿Qué produce el elemento técnico que intercepta la realidad y desarrolla posibilidades impensables? Cada obra pública se convierte en el padre de las interpretaciones indefinidas: todas aquellas que genera, erróneamente o con razón. Hemos estado acostumbrados a vincular la interpretación con alguien que lee, ve u oye un trabajo público. Aún más evidente es esta relación, cuando hay una relación estética en juego, donde se juega en la mesa de arte. Pero las interpretaciones de hoy pueden parecer generativa, creando, a su vez, el trabajo por cuenta propia, realizado, un poco de 'lo diferente dirección orquestal, independiente de una obra musical es una cosa a Toscanini, otro es Bernstein, por ejemplo. O incluso representaciones teatrales de interpretación o ballets: actores, bailarines, directores y escenógrafos, interpretar, sí, pero al mismo tiempo, crear y hacer arte autónomo, ya que cada interpretación es el trabajo del que se considera como un arte autónomo de la obra musical o teatral o cinematográfico realizado. Por lo tanto, saber cómo usar una herramienta técnica significa interferir con un original y producir algo nuevo, algo más, independientemente. Tomado de la infinidad virtual de la cual el original es potencialmente padre (o madre, si quieres). Además de esta referencia que identifica virtual e infinito, hay otro aspecto que me gustaría subrayar. ¿Quién puede negar que en una pintura (como en cualquier obra de arte) no hay significados ocultos, relaciones misteriosas, proporciones invisibles que lo virtual logra manifestar! En este caso, la virtualidad es una especie de lector del inconsciente, de lo oculto, de lo oculto, porque solo es posible. Posibilidad, tenga en cuenta, que sea generada por el original, ¡no es extraño para él! En este caso, lo virtual se convierte en el decodificador, el decodificador, la herramienta que sabe cómo abrir las puertas cerradas de la producción y se manifiesta consciente, para ver todo lo que está ubicado discretamente y tal vez el miedo, en los pliegues de las líneas expresan o colores elegidos . Toda obra de arte, por lo tanto, se multiplica: incluso antes de la multiplicación de las diferentes interpretaciones de los numerosos usuarios de la obra artística, hay una multiplicación sin fin, lo que permite que el instrumento técnico, revelando una semántica alternativas, sin embargo, en la actualidad 'opera. Hoy en día, un artista, además de la pintura del padre, debe, como en esta exposición de obras de Mauro Guidotti, presente al público, además de la original, que es diferente figliolanze posible, detener el proceso generativo donde quiere, como en la vida , pero mostrando al público, una gama de creaciones múltiples nacidas de la misma raíz artística. ​ (Roberto Rossi) ​

De estas casas / No hay / Que algunos / Triturar de pared / De muchos / Eso me correspondió / No se fue / No tanto / Pero en el corazón / No falta cruz / Es mi corazón / El país más desgarrado  (Giuseppe Ungaretti). Impresión del original que se encuentra en Nueva York en la espera de exposiciòn Técnica: Acrílico sobre lienzo Tamaño: 74 X 100 cm Fecha: julio de 2016 El vórtice trágico, las manos que no encuentran apoyo o aguantan, la inclinación descendente de las torres, los gritos que caen en cada parte del lienzo y que parecen salir de la imagen, las muchas caras de una humanidad devastada y otra, en bajo, aturdido e impotente viendo la tragedia.      Los colores son los de los Estados Unidos, pero son representativos de un dolor que es y pertenece a la humanidad entera. Todo el lienzo es una explosión de dolor, descrito e interpretado, pero sin simbolismo, ya que, para hacer un ejemplo inalcanzable, están presentes en el Guernica de Picasso.      La inclinación de las torres se opone a la dirección en la que estiran los brazos y las manos, a excepción de la única mano que encuentra un soporte, en la parte superior derecha del lienzo, un soporte efímero, sin estabilidad. Este cruce de los dos vectores, la diagonal de las torres y la de los brazos extendidos, hace que la pintura sea dinámica, lo que parece girar, como mencioné inicialmente, a un vórtice de la muerte, marcado en la parte inferior derecha por una voluta de sangre.      Sin duda es una de las pinturas más exitosas de Guidotti, expresiva y poética, capaz de establecer una fuerte relación emocional con aquellos que lo miran.      Las torres presentan los reflejos de las ventanas, las estructuras distorsionadas de las ventanas que parecen pájaros, pero aluden, al mismo tiempo, a los planos asesinos. Una ambigüedad de la cual, quien tiene la fuerza, puede dibujar una semilla de esperanza: el vuelo libre de pájaros que sobre la tragedia se abre, con suerte, a un nuevo horizonte de vida.